ARTIST/AUTHOR CONTEMPORARY ARTISTS’ BOOKS // CORNELIA LAUF AND CLIVE PHILLPOT // 1998

Libros de artista y libros como arte.
Books by artists and books as art.

Se ha transformado en una suerte de convención, llamar casi cualquier libro que un artista ha sido responsable, libro de artista. El uso de este nombre, no siempre alude a este término.
Un libro de fotografías, de retratos, de reproducciones o revistas, no son necesariamente libros de artista en sí.
Esta situación a confundido a mucha gente, que no ha sido capaz de distinguir libros que son ilustraciones, de los demás libros de autor, que de una manera u otra, son artistas.

La diferencia entre “libros de artista”, libros o folletos creados por artistas, y “bookworks”, obras de arte en forma de libro, es que los “libros de artista” se sitúan provocativamente en los límites de la documentación, el arte y la literatura. Una de sus características es su naturaleza mestiza. Han sido popularizados por muchos híbridos y subespecies, tales como libros, revistas, panfletos y revistas. Lo que realmente caracteriza a un libro de artista es que ellos son el reflejo y emergen de las preocupaciones y sensibilidad de los artistas, como creadores.

Historia.
Un quiebre radical ocurrió en abril de 1963, cuando el artista californiano Edward Ruscha repentinamente expandió su producción artística de pinturas, impresos y dibujos, publicando un pequeño y rústico libro, “Veinteseis gasolineras 1962” (Twentysix Gasolinas Stations 1962). Ruscha construyó una secuencia lineal de fotografías indescriptibles y documentos sobre las gasolineras ubicadas en la ruta 40 entre Los Ángeles y Oklahoma. Estas imágenes son como las 26 letras de un alfabeto inventado por él, que está estructurado por la forma del libro. Estos nuevos libros de artistas eran baratos, prácticos (cabían en un bolsillo), y habían muchas copias de ellos. En 1965 dice “No estoy intentando crear un espectacular libro de edición limitada, sino una producto masivo de alta categoría. Todos mis libros son idénticos. No tienen los diferentes matices de uno artesanal y ediciones limitadas. Lo que de verdad quiero son terminaciones pulcras y perfectas hechas con máquinas.” Él estaba creando una forma barata de arte, disponible para una audiencia diferente, utilizando diferentes sistemas de distribución.
Ruscha creó un nuevo paradigma para la interacción entre el artista, el libro y la audiencia.

Este libro no fue nada comparado a los libros que artistas como Picasso, Matisse, Miró y Chagal ilustraron a comienzos de siglo. Muy pronto, la idea que los artistas pudiera verter sus experiencias en libros, usando textos y/o imágenes, para hacer declaraciones o para hacer arte, se volvió muy popular. Esta nueva forma coincidió con el neo-dada y el nacimiento del minimalismo, arte conceptual, y otras formas de producción relativamente desmaterializada. Muchos de los primeros autores de libros de artistas, fueron americanos minimalistas y artistas conceptuales. (Lawrence Weiner’s Statements, Joseph Kosuth’s Function, Peter Downsbrough’s Notes, etc.)
Fuera de estos ejemplos, hubo un evento clave que alteró el status de publicaciones de artistas. El responsable del desarrollo no fue un artista sino un dealer llamado Seth Siegelaub. Era dueño de una galería de arte en Nueva York, donde exhibía el trabajo de artistas conceptuales, en particular Robert Barry, Douglas Huebler, Joseph Kosuth y Weiner. El evento significativo fue la exposición de Huebler, en Noviembre de 1968. La exposición era un catálogo. La naturaleza del trabajo de Huebler era tal que debía funcionar igualmente en una hoja o en la muralla. Al siguiente mes, la exposición fue también una publicación. “El catálogo que sirve para documentar el arte, no se refiere a un objeto artístico que existe fuera de él, pero puede ser simplemente otro aspecto del trabajo, incluso el trabajo en sí mismo.” También agregó “El arte en el que estoy interesado puede ser comunicado con libros y catálogos… Cuando el arte ya no depende de su presencia física, cuando se ha convertido en una abstracción, no está distorsionado y alterado en sus representaciones en libros y catálogos, se convierte en información de primera, mientras la producción de libros de arte convencionales y catálogos es necesariamente información de segunda.”
Los libros de artista realmente se apoderaron de la escena en 1969, inspirados por el ejemplo de Ruscha, el aumento del conceptualismo, las actividades de Siegelaub, y los eventos políticos y sociales de finales de los años sesenta.
Los libros de artista eludieron los sistemas de las galerías. Eran baratos, evitaban las impresiones y usos de tinta, eran democráticos, debido a sus módicos precios y extensas ediciones y fueron hechos para una gran y variada cantidad de público. Además habían servido para llegar a diferentes tipos de público. Personas como Ruscha estaban interesada en un producto producido en masas.
Los libros pueden ser baratos de comprar y también de hacer (si la producción es sencilla y suficientemente flexible para generar pocas o muchas copias.) El libro aún representa una forma familiar para la mayoría de las personas. Sin la secuencia común, haciendo un díptico, el artista puede articular algo fijo con secuencias al azar de imágenes y palabras. Esto puede comprender una experiencia narrativa y estética. Los libros de artista pueden ser el vehículo para las ideas de los artistas. Pueden transmitir percepciones y críticas de la sociedad, desde el humor a la filosofía, tal como el arte lo hace.

Libros de Artista.
Revistas: A menudo artistas han incluido su trabajo en las páginas. Pero son muy pocas las que han sido en sí mismas libros de artista. Dos en particular: Or (Caracterizada por sus opiniones humildes e irónicas, junto con una gráfica que hechizaba, generalmente dirigida a la prensa y al arte mundial) y Schism (doce páginas, presentando series de frases y fotografías, junto con palabras que abarcaban temas sociales y políticos). Ambas son libros de artista en serie.

Ensambles y Antologías: La diferencia entre Ensambles (L.A.Artists Publications, The Ace Space Cpmany’s Notebook 1) y Antologías (The proto-Fluxus An Anthology), es que las antologías son generalmente es creada conscientemente por el editor, mientras los ensambles, no es necesaria la transformación del contenido. La antología incluye arte impreso y pageworks.

Diarios, Manifiestos, Afirmaciones y Escritos: Sólo algunos ejemplos son suficientes para explicarlos. En los escritos se destaca Robert Fillious: Taching and Learning as Performance Arts. Por otra parte, los verdaderos manifiestos no son muy comunes, usualmente son recolectados en libros o folletos. Ejemplo: Gustav Metzger: Damaged Nature, Auto-Destructive Art.

Poesía visual y Juegos de Palabra: Una de las corrientes que encaja en el origen de los libros de artista es la poesía visual. Los poetas visuales tienen una mayor conciencia de lo que es una página que otros poetas. Muchas veces esta sensibilidad se extiende en la tipografía, la disposición de las cosas y en otras páginas. Bob Cobbing, Bill Griffitsh y Jennifer Pike editaron Verbi Visi Voco: A Perfomance of Poetry. La mayoría de los poemas visuales, por su dinamismo, son verdaderas pageworks, no secuencias de páginas que siguen un concepto común de libro. Ake Hodell hizo Igevår (1963), en donde una sola palabra se extiende a lo largo del libro. La secuencia tiene movimiento y de pronto da un giro total.

Anotaciones: Son muy comunes musicalmente hablando. El colorido es bonito e itinerante en el caso de Diary, elaborado por John Cage. Las páginas creadas por Yoko Ono en Grapefruit (1971), incluyen piezas que son clasificadas como música, las que al mismo tiempo indican acciones tales como “Pedazo lanzado- Arroja una piedra hacia el cielo, suficientemente alto para que no regrese”. Estas instrucciones son anotaciones para realizar acciones que el lector es tentado a realizar. Finalmente, un poema es una anotación para el lector, donde éste recita el poema en voz alta o en silencio. Un poema visual sin palabras también puede ser una anotación.

Documentación: Es la acumulación, clasificación y difusión de información. En las artes visuales la principal forma de documentación es el catálogo de exhibiciones. A partir de 1960 se crea este nuevo género de libros de artista. Mucho de la obra de Seth Siegelaub se encontraba en un espacio ubicado entre la documentación y el arte. El libro es documentación impresa, este acerca el status de arte en la ausencia de las ilustraciones.

Reproducciones y Cuadernos de bocetos: Muchas veces vienen de cuadernos de apuntes, lo que se ordenan, reducen y secuencian. Aquellos se asemejan al mundo del comic. Se producen una vez, y luego se sacan las copias necesarias para su producción. En Lotto de Gary Goldtein, el autor usó dos tomos del pintor renacentista Lorenzo Lotto, e intervino la narrativa y personajes de historietas, entre las secuencias del libro original, formando Lotto: An Altered Book.

Álbumes e inventarios: Richard Long hacía álbumes fotográficos de instalaciones en museos; estos libros son documentación impresa con cualidades narrativas. Luego está el libro Countless Stones de Eindhoven, que documenta una caminata de 21 días por el centro de Nepal. Aca muestra fotos de todo el recorrido, recreándolo para el lector. También hay otros ejemplos como el de Felipe Ahrenberg en Generación: Libro 1, donde documenta catorce años de su vida a través de fotografías sacadas por fotógrafos anónimos en México.

Trabajos gráficos: Muchos libros de artista son simplemente una recolección de trabajos gráficos, a menudo sin un impulso narrativo. Esto muchas veces sirve para llegar a un público más parejo. Aquellas colecciones son muchas veces monografías de artistas convencionales. Algunos artistas usan el libro tipo códice para darle a su trabajo un secuencia o para crearle una narrativa. Hewitt ha usado en variadas ocasiones el libro para articular secuencias de trabajos gráficos (y de fotografía). Le da a conocer su vocabulario al lector desde el principio.

Cómics: Son el género verbal-visual más exitoso que existe. Los cómics que tienen una presencia destacada en el mundo del arte, tal como Art Spiegelman’s Maus (NYork: Pantheon Books, 1986/1991) no se han quedado predominando la escena. Hay muchos cómics relacionados con temas serios por ejemplo Breaking Free de J. Daniels, trata de la oposición existente al capitalismo.

Ilustraciones: Ha ofrecido a los artistas empleo por siglos. Uno de los libros de artista más comunes son los ilustrados. Muchos libros de artista son solamente ilustrados. No son caros, pueden o no ilustrar junto con poemas o literatura y pueden o no combinar con texto, pero deben ceñirse a un texto preexistente. My Pretty Pony (NYork: Alfred A. Knopf, 1988) realizado por Barbara Kruger y Stephen King. El libro puede ir separado de los textos, y aún así se seguirán entendiendo los dibujos por sí solos.

Páginas de arte y Arte por correo: Las páginas de arte muchas veces son impresas en revistas, en una sección especial, en que se muestra el trabajo de algún artista. Otra forma es el arte por mail. Su principal exponente Ray Johnson utiliza una página única como base para conceptualizar sus más salvajes ideas. Creó un libro llamado The Book About Death, con el cual mandó las páginas aleatoriamente, principios de los sesenta, a diferentes personas, las cuales juntándolas formaban un libro.
Libros de arte y Bookworks: Structure, Content, Sequence de Regina Rodrigues es un libro precioso, simple y didáctico. Con el mantra “Structure develops/content requires/ sequence affects” (La estructura se convierte/ el contenido requiere/ la secuencia afecta). Estas palabras se desenvuelven tipográficamente por las páginas, en el cual sufren repentinamente un cambio de ritmo y de estilo.


Inevitablemente hay más maneras de clasificar los libros de artista. Esta clasificación por género es una estructura provisional para poder visualizar esta extensa área.